Education
2002 – 2003 Chelsea School of Art & Design – MA Fine Art
1998 - 2002 University of Newcastle upon Tyne – BA Fine Art

Exhibition  (selected solo show)

2011

• Nine Men’s Morris, Galleria Maria Grazia Del Prete, Rome, IT

2011

• On Measuring Uncertainty (con Andrew Lim) Castlefield Gallery – Manchester, UK

2010

• 173cm – Arcade, London, UK

2009

• Galleria Norma Mangione (withNick Laessing) – Turin, IT

2008

• Seer Of The Diagram / Diagram Of The Seer – Arcade, London, UK

Exhibition  (selected group show)

2011

• Gingko, Goethe, Garden, Arcade, London, UK
• Emergency 5, Aspex Gallery, Portsmouth, UK

2010

• Sette piccolo errori, Museo Marino Marini, Florence, IT
• With Words Like Smoke, Chelsea Space, London, UK
• First Taste The Lemon…, Satellite, Newcastle, UK

2009

• Choreographies Of Symptom, Galleria Norma Mangione, Torino, IT
• Pete And Repeat, Arcade, London, UK
• Drawing 2009, Drawing Room, London, UK
• It’s Not For Reading, It’s For Making – Form Content, London, UK
• Make Your Own Kaleidoscope – Tricycle Gallery, London, UK

• Cagol, S. Sideways To A Blind Spot, “Domus”, Issue 927, July – August
• Pedraglio, F. & Riva, C. Whatever Happened To The London Night?, “Kaleidoscope”, Issue 01, March – April

• Cove Park Visual Arts Creative Development, Scotland 

Tappi di plastica e fagioli d’oro per “nove anni di esistenza”. Così è composta l’Isola della vita che Satoshi Hirose ha creato a partire dal 2001. Una collezione di tappi di bottigliette d’acqua di plastica consumate in nove anni a formare un cumulo di materiale da riciclare, materiale di tutti i giorni contro una piccola nicchia di fagioli dorati nascosti. Il basamento che sorregge la montagna di riciclo è a grandezza “innaturale” per essere un oggetto d’arte, porta il fruitore a viverlo nella sua interezza dandogli la possibilità di girarci intorno, ma nello stesso tempo lo allontana dall’immaginarlo come “ospite scultoreo” di uno spazio. Le installazioni di Satoshi sono accomunate da grandezze “irrisolte” ma positive, in grado di tendere una relazione con il suo pubblico, di metterlo a proprio agio seguendo l’interazione sensoriale verso cui l’opera tende. A circondare l’isola fotografie di attività quotidiane racchiuse in una porzione di realtà casuale: quella di “situazioni e oggetti che non sono di alcune utilità”. Una parte della vita di Palomar. Le immagini scorrono come in un Montaggio delle Attrazioni senza il tempo narrativo, che è invece l’anima dell’Isola di plastica e oro posta davanti a loro. All’accumulo quotidiano e seriale si scontra il frammento casuale dell’istante e questo rispettando il carattere della “molteplicità” nel processo espressivo dell’arte di Satoshi Hirose.

Satoshi Hirose, Winter Garden
Text by Flavia Montecchi
Until 24 March, 2012

Plastic caps and golden beans for “nine years of existence”. That is what the Island of life, composed by Satoshi Hirose since 2001, is made of. A collection of caps from plastic bottles consumed in nine years forming a pile of recyclable materials, everyday materials against a small niche of hidden golden beans. The base supporting the recycle mountain is oversize as an art object: the visitor enjoys it in its entirety, having the chance of going round it, but, in the same time, is hindered from imagining it as a “sculptural host” of a space. The common thread in all of Satoshi’s installations is their “unsolved” but positive size, able to build a relationship with the viewer, putting him at ease by following the sensorial interaction at which the work aims. Around the Island there are pictures of everyday activities closed in a piece of chance reality: that of “situations and objects of no use”. A bit of Palomar’s life. The images unfold like in a Montage of Attractions without narrative time, that is the core of the plastic and gold Island in front of them. The day-to-day accumulation is contrasted with the chance fragment of the instant, and that with respect to the “manifold” nature of the expressive process of Satoshi Hirose’s art.

Dal 11 ottobre Daniel Buren, Jan Dibbets e Giulio Paolini presentano tre opere inedite e concepite specificatamente per la Galleria Maria Grazia del Prete. Il progetto espositivo che li coinvolge si chiama “Nel Formare”. Esso è stato concepito come un dialogo tra un critico, Mauro Panzera, ed un gruppo di artisti, una conversazione alla quale ognuno partecipa parlando il proprio linguaggio: in un breve testo il critico argomenta la sua posizione in relazione ad alcuni problemi nodali dell’arte contemporanea, gli artisti gli rispondono con un’opera. La prima parte del progetto, Nel formare 1, ha visto protagonisti i lavori di Bizhan Bassiri, Jannis Kounellis e Hidetoshi Nagasawa. Dalle due esposizioni nascerà un volume di presentazione.

***

Comunicato Stampa, Nel formare 2

Dal 31 maggio Bizhan Bassiri, Jannis Kounellis e Hidetoshi Nagasawa nella nuova Galleria Maria Grazia del Prete. Il progetto espositivo che li coinvolge si chiama “Nel Formare”. Esso è stato concepito come un dialogo tra un critico, Mauro Panzera, ed un gruppo di artisti, una conversazione alla quale ognuno partecipa parlando il proprio linguaggio: in un breve testo il critico argomenta la sua posizione in relazione ad alcuni problemi nodali dell’arte contemporanea, gli artisti gli rispondono con un’opera. Nel Formare si articolerà in due fasi che interesseranno tre artisti per volta, sempre individuati tra i protagonisti del panorama artistico contemporaneo e sempre di caratura internazionale. Dalle due esposizioni nascerà un volume che sarà presentato al termine del progetto.

***

“Vivo drammaticamente l’arte di oggi” scrive il critico Mauro Panzera nel breve testo da cui scaturisce Nel Formare, il progetto espositivo che, giovedì 31 maggio, inaugurerà la nuova galleria di Maria Grazia Del Prete a Roma in Via di Monserrato 21.
Impegnato da trent’anni nell’osservazione di “quanto le generazioni di artisti hanno prodotto in questo lasso di tempo”, Panzera ammette che oramai anche un analista del settore stenta ad orientarsi nell’odierno scenario di “moltiplicazione delle pronunce artistiche”, una proliferazione anarchica indice più di malessere che di vitalità. Preda degli appetiti del nuovismo, il panorama artistico “si tramuta in una Wunderkammer di prodotti artificiali”, una abbacinante carrellata di effetti speciali nella quale l’espressione artistica smarrisce la sua natura di linguaggio misterioso e profondo. Di fronte allo straordinario paradosso di un mondo che saccheggia e usa a piene mani le immagini prodotte dall’arte avendo però perso gli strumenti per comprenderle, Panzera sente il bisogno di ribadire il principio sul quale ha fondato la sua attività di studioso: l’opera d’arte è tale solo se procede dalla ricerca dell’artista, qualificato come colui che vede oltre, vede dove va il mondo e indica con l’opera ciò che il mondo non vede.
Fermamente convinto della necessità di interrogare le opere e gli artisti, il critico bresciano ha ideato un progetto espositivo costruito come un dialogo: lui sceglie il veicolo della scrittura per esprimere le sue posizioni (opinioni largamente condivise da Bruno Corà al quale è legato da un rapporto di attiva collaborazione) e invita un gruppo di artisti a rispondergli con un’opera. Sei gli artisti coinvolti, ma sono stati rivelati solo i nomi dei protagonisti della prima delle due fasi in cui il progetto è articolato: Bizhan Bassiri, Jannis Kounellis, Hidetoshi Nagasawa, frequentatori abituali dei circuiti internazionali dell’arte contemporanea che sulle spinose questioni sollevate dal curatore hanno parecchio da dire.
Parlano per loro tre grandi opere:

Bizhan Bassiri – La luna, 2007
cartapesta, pigmento e acciaio (cm 150 x 190)

La luna è una cartapesta blu (blu oltremare e blu di Prussia) sulla quale campeggia un cerchio d’acciaio. Chi conosce il lavoro di Bizhan Bassiri ha già individuato nell’innesto dell’acciaio sulla cartapesta una morfologia ibrida che per la prima volta unisce due temi sinora trattati separatamente: la materia magmatica delle Evaporazioni, allusa da scabre superfici in cartapesta e gli Specchi Solari, superfici specchianti che, abbandonata la funzione riflettente, rivelano la loro natura di luce.

Jannis Kounellis – Senza titolo, 2005
ferro, carta, pigmento, sacco con carbone (cm 200 x180)

La risposta di Kounellis al testo di Panzera sarà probabilmente affidata ad una grande macchia, il tema al quale l’artista sta lavorando negli ultimi tempi recuperando la casualità assoluta del gesto di lanciare un pigmento liquido su una superficie. ”E’ come se” -spiega Panzera- “Kounellis stesse tornando a riflettere su quel momento fondamentale del suo percorso in cui l’amore per Pollock coincise con la consapevolezza che non si poteva più fare quello che faceva Pollock. Un momento molto intenso di attrazione e impedimento”

Hidetoshi Nagasawa – Senza titolo, 2006
carta con inserti in rame e pittura (m 2 x 3)

Nagasawa porta una grande composizione rettangolare di nove fogli di carta con inserti in rame e pittura. E’certo che saranno in molti ad intervenire all’inaugurazione della Galleria Del Prete anche spinti dalla curiosità di conoscere questo singolare protagonista della scultura contemporanea.In complicato equilibrio tra oriente e occidente, l’arte di Nagasawa affianca alle opere le “azioni”,vale a dire prove di volontà e carattere alle quali l’artista,che è anche maestro di arti marziali, si sottopone. L’azione più eclatante è sicuramente stata il lungo viaggio a piedi e in bicicletta attraverso l’Asia e l’Europa, che, tra il 1966 ed il 1967, lo ha portato dal Giappone a Milano, dove da allora si è stabilito.

Il criterio applicato da Panzera nella scelta dei suoi interlocutori, al di là della loro indiscussa autorevolezza e notorietà, è scaturito dall’esigenza di attivare un confronto anche generazionale tra soggetti in grado comunque di parlare una lingua comune. Contraddicendo le tendenze orientate alla smaterializzazione dell’arte, l’orizzonte che i tre artisti sicuramente condividono è quello della forma e della materia. Le originali ed innovative ricerche sulle quali hanno costruito le loro fortunate carriere non hanno mai cessato di fare i conti con la forma, rimanendo ancorate alla convinzione che fare arte sia, come suggerisce il titolo del progetto, un procedere nel formare. E nel trasformare. Dal momento che per tutti e tre i materiali e la trasformazione che ad essi imprime il processo formativo dell’opera hanno un peso determinante. Lo testimonia il folgorante esordio di Kounellis, nel ’60, affidato al Quintale di carbone in un angolo. Lo ribadisce l’opera di Nagasawa, lo scultore capace di suggerire l’idea della massima leggerezza utilizzando materiali pesantissimi.Ambiguità che in qualche modo connota anche le cartapeste di Bizhan Bassiri, superfici preziose ricavate da materia povera, asciutta eleganza di pietra lavica emersa dal procedimento umido e vischioso della macerazione della carta nell’acqua e nella colla. Perché l’intervento dell’artista sulla materia è così potente da riuscire a modificarne l’anima e la percezione che chi guarda ha di essa.

Alla Galleria Del Prete il neoumanesimo di Bassiri, Kounellis e Nagasawa: matrice classica e tratti moderni, opere che coniugano una profonda memoria dell’antico con la contemporaneità e la percezione della sua crisi.

Comunicato Stampa, Nel formare 1


La
 Galleria
 Maria
 Grazia
 Del
 Prete
 ospiterà
 nei
 suoi
 spazi
 la
 nuova
 serie
 fotografica
 di
 Carlo
 Fei
 dal
 titolo “Riproduzioni”
 a
 cura 
di 
Mauro
 Panzera.

La
 mostra
 presenterà
 12
 fotografie
 della
 serie
 nel
 formato
 25×18,5
 cm
 ed
 una
 grande
 fotografia
 della
 stessa
 serie
 di
 110x81cm.
 Le
 fotografie
 sono
 stampate
 con
 plotter
 Epson
 su
 carta
 Hahnemühle
 310
 g
 e
 montate
 su
 supporto
 DIBOND.
 L’installazione
 fotografica,
 che
 qui
 viene
 proposta,
 attraverso
 la
 messa
 in
 questione
 dell’installazione
 stessa,
 proporrà
 allo
 spettatore
 una
 riflessione
 non
 solo
 sull’estetica
 dell’immagine
 ma
 ci
 interrogherà 
su
quale
 deve
 essere 
lo
 spazio 
fisico 
di 
una 
fotografia, 
da
 cosa 
è
 delimitata 
e
 quali 
sono 
le
condizioni
 necessarie 
per 
poter 
godere 
di 
essa?

Cenni 
biografici:
Carlo 
Fei, è
 nato
 a 
Firenze 
nel
 1955, 
sue 
fotografie 
sono 
in 
importanti 
collezioni 
private 
e
pubbliche.
Tra 
le 
ultime
 mostre
 ricordiamo:
 DOUBLE
EXPOSURE, 
ZELLE Arte
 Contemporanea,
 Palermo, 
personale
 a
 cura 
di
 Francesco
 Galluzzi;
 nel
 2007
 ACQUA
 IN
 CANNA,
 Forte
 Belvedere,
 Firenze
 (cat.
 Ed.
 Gli
 Ori
 Prato),
 NUMERICA,
 Palazzo
 delle
 Papesse,
 Centro
 Arte
 Contemporanea,
 Siena,
 collettiva
 a
 cura
 di
 Marco
 Pierini
 (Cat.
 Ed.
 Silvana,
 Milano);
 nel
 2006 
THE 
AGE 
OF 
METAMORPHOSIS: 
European
Art 
Highlights 
from
 the 
Centro 
Pecci 
Collection,
 Museum 
of Contemporary 
Art
 Shanghai 
(MOCA 
Shanghai),
 Cina
(Catalogo,
 ed.
MOCA
Shanghai).

Eventi
 correlati:
Gennaio 2009. 
Museo 
Marino 
Marini,
Firenze, 
presentazione 
del 
Progetto 
Val
 di 
Luce,
 interverranno: 
Alberto
 Salvadori, 

Alessandro Sarri 
e 
Andrea 
Pelù.
Gennaio ‐ Aprile 
2009.
 MACRO,
 Roma,
 ITALIAN
 GENIUS 
NOW,
 a
 cura 
di 
Marco
 Bazzini.

Comunicato Stampa, Carlo Fei, Blacklight

La Galleria Maria Grazia Del Prete inaugura la stagione espositiva 2008/09 con una mostra personale dell’artista Antonio Catelani.
Il titolo, Verbinden, ci ricorda la permanenza berlinese dell’artista e quindi la necessità di fare corpo per via di lingua con il nuovo ambiente di vita; ma legare, congiungere – questo il campo semantico significato dal verbo – è indicazione di continuità sostanziale con la modalità artistica in cui si è riconosciuto fin dagli esordi alla metà degli anni Ottanta.
In mostra l’artista presenta due nuovi cicli di opere, presentati in anteprima in occasione della XV Quadriennale di Roma, Reziario e Rizomi, così evocando due modelli teorici che hanno congiuntamente definito l’età della comunicazione: la figura della rete, nostro imperativo attuale e la proliferazione rizomatica, che a noi pare Catelani privilegiare, a ben guardare il suo percorso creativo.
Si tratta in apparenza “semplicemente” di pittura, ma “ogni ciclo di opere – ha osservato recentemente Catelani – sembra generarsi dalla messa in crisi delle antecedenti, dal loro smontaggio in singole proposizioni linguistiche che le strutturano e da queste, attraverso una ricomposizione, giungere a nuove asserzioni”, per concludere che “ciò che è posto in atto è quindi un pensiero digressivo e al contempo rigenerativo dello specifico disciplinare: fare scultura pensando all’architettura, pensando alla pittura, pensando al disegno…e di nuovo all’architettura, alla pittura…”.
Antonio Catelani ci offre dunque nuove declinazioni di un pensiero della pittura complesso, cui rinnova fiducia ed energie. Rezario evoca la nozione base del moderno, la griglia, ma il suo corpo morbido inficia la rigorosità bidimensionale della pittura; laddove il rizoma si genera per via puramente cromatica, richiamando e abitando l’universo pittorico in quanto tale.

Comunicato Stampa, Antonio Catelani, Verbinden

Il 26 maggio la Galleria Maria Grazia Del Prete inaugura la terza parte del progetto espositivo La forma confligge col tempo, proponendo le opere di Paolo Piscitelli in dialogo con se stesso, Reading Paolo, come recita l’invito.

Proseguendo con coerenza l’indagine sulla forma nell’espressione dell’arte visiva, ma sottolineando la sua natura processuale, quindi non tanto il dare forma ma il formare, questa nuova occasione espositiva, che vede in dialogo le opere di Paolo Piscitelli, vorrebbe indicare nella dimensione temporale il punto di incrocio e di svolgimento di un percorso.

In questa occasione è l’artista stesso che si legge nel tempo, proponendo tre lavori capaci di sostenere una lucida e coerente linea di ricerca. Meridiano, un’opera del 2002, si proponeva come una declinazione del vedere verso l’aperto, a perdita d’occhio, nel suo costruire un disegno nello spazio – e il disegnare è un caposaldo nella ricerca dell’artista – che il visitatore deve fisicizzare con il proprio immaginario. Labor #3, formulato nel linguaggio della ripresa video, torna con la riflessione sulla dimensione spaziale aperta, senza confini, ma ora sono le mani dell’artista a produrre superfici in cui il senso e il corrispettivo oggettivo continuamente slittano. Contained Energy, una scultura in terracotta, inedita, del 2008, si propone ora come punto di verifica e relazione intima tra le due opere precedenti. ” Contained Energy – ha scritto l’artista – è stato realizzato manipolando 7 tipi di creta differenti: tutte le mie azioni, pressioni e manipolazioni sono registrate dai diversi colori che vanno a mescolarsi, lasciando traccia all’interno del volume in creta. Al termine della mia azione, ho sezionato in 11 parti il volume di creta, come se volessi analizzare un cervello. Contained Energy si può sfogliare come un libro, leggendo le tracce dell’energia impiegata.”

Le opere in mostra, prelevate ad exemplum di una indagine ancora in corso, mettono in luce una modalità di ricerca essenziale dell’artista Paolo Piscitelli, a conclusione di un percorso espositivo volto a indagare la permanenza dell’intenzionalità formante nell’arte contemporanea.

Comunicato Stampa, La forma confligge col tempo 3

Il 28 marzo la Galleria Maria Grazia Del Prete inaugura la seconda parte del progetto espositivo a forma confl gge col empo, che ha visto protagonisti della prima parte Emanuele Becheri, Flavio de Marco e Massimo Uberti, proponendo le opere di Carlo Guaita e Maria Morganti.

Proseguendo con coerenza l’indagine sulla forma nell’espressione dell’arte visiva, ma sottolineando la sua natura processuale, quindi non tanto il dare forma ma il formare, questa nuova occasione espositiva, che vede in dialogo le opere di Carlo Guaita e Maria Morganti, vorrebbe indicare nella dimensione temporale, insita nelle opere in oggetto, il punto di incrocio di due percorsi autonomamente intesi.
Maria Moranti indaga una spazialità pittorica che è costituita da pura luce colorata, e l’ascendenza bizantina risulta ad evidenza, ma il processo della forma è guidato dal tempo, tempo dell’operare e tempo dell’esperire.
Carlo Guaita abita con severità il confine che discrimina il dipingere una tela come risultato dalla sua possibile, variata processualità; distillata gesto per gesto, azione per azione, come in una esibita morfologia grammaticale.
Si tratta di “pittori” consapevoli tanto della potenza della disciplina quanto della necessità di onorarla assumendo nei suoi confronti un atteggiamento di radicalità etica ed artistica.

Le opere in mostra, frutto di un intenso dialogo tra gli artisti e il curatore, espongono con puntualità il momento presente della loro ricerca, a prosecuzione di un percorso espositivo volto a indagare la permanenza dell’intenzionalità formante nell’arte contemporanea.

Comunicato Stampa, La forma confligge col tempo 2

II 18 gennaio Ia Galleria Maria Grazia Del Prete inaugura una mostra, dal titolo La forma
confligge col tempo/ proponendo le opere di Emanuele Becheri, Flavio de Marco e Massimo Uberti.
Proseguendo con coerenza l’indagine sulla forma nell’espressione dell’arte visiva, ma sottolineando Ia sua natura processuale, quindi non tanto il dare forma rna il formare, questa nuova occasione espositiva, che vede in dialogo le opere di Emanuele Becheri, Flavio de Marco e Massimo Uberti, vorrebbe indicare nella dimensione temporale, insita nelle opere in oggetto, il punto di incrocio di tre percorsi autonomamente intesi.
Fin dalle prime formulazioni Becheri ha indagato il segno, Ia sua natura, alia cieca,
impedendosi il controllo dell’esecuzione nel tentativo di fare vuoto dentro di se, dimenticandosi.
Flavio de Marco colloca come proprio orizzonte il paesagg io come si presenta oggi, attraverso il monitor di un computer, cercando nell’ “infra” tra attesa e apparizione dell’immagine una via di ricostruzione del senso per un’immagine.
Massimo Uberti infine, sensibile alia spazialita architettonica, dopo aver indagato il tema della Città Ideale, disegna con Ia luce luoghi di forte significativita simbolica.
In mostra de Marco (Lecce, 1975) proporra un’immagine a tutta parete rna con episodi
aggettanti, sì che Ia percezione possa ritrovare una distanza minima tra piani visivi.
Uberti (Brescia, 1966) imporra un segno luminoso, evocativo di un luogo intenso, su una
porzione di parete trattata con pigmenti pittorici.
Becheri (Prato, 1973) infine proporra una grande carta, proveniente dal recente ciclo delle
carte nere, che trattiene traccia di passaggi involontari, marcando maggiormente l’assenza
tecnica della mano dell’artista.
Le opere in mostra, frutto di un intenso dialogo tra gli artisti e il curatore, espongono con
puntualità il momenta presente della loro ricerca, a prosecuzione di un percorso espositivo
volto a indagare Ia permanenza dell’intenzionalita formante nell’arte contemporanea.

Comunicato Stampa, La forma confligge col tempo